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EXPOSICIÓN INTERNACIONAL 2017


Mrs. MELISSA AGOSTINI, Co-curator  of the Art Gallery at Boricua College and Mr. VÍCTOR MATURANA LEIGHTON, President of Centro del Grabado, Valparaiso - Chile , are pleased to invite you to the opening of the art exhibition " Centro del Grabado, Valparaiso , Chile : 1992-2017 " which includes fourty original works  by 23 visual artist from the city of Valparaíso.

  The opening reception will be held on January 13, 2017 from 5:00 to 7:30 pm and the exhibition will be open until January 27. This event will take place at Boricua College Manhattan Campus , 3755 Broadway , Audubon Terrace at 156th Street , New York, New York 10032.

Nueva York 2016

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 Sra. MELISSA AGOSTINI, Co - Curadora de la Galería de Arte del  Boricua College  y el Sr.  VICTOR MATURANA LEIGHTON, Presidente del Centro del Grabado, Valparaíso Chile, tienen el agrado de invitarles a la inauguración de la exposición colectiva "Centro del Grabado, Valparaíso - Chile: 1992-2017" que incluye 40 obras de 23 artistas visuales de la Región de Valparaíso, Chile.

   La recepción de apertura se efectuará en Enero 13, 2017 desde las 5:00 a las 7:30 pm, y continuará  hasta el 27 del mismo mes. Este evento tendrá lugar en la Galería de Arte de Boricua College, Campus Manhattan - 3755 Broadway Audubon Terrace, 156th Street - New York, New York  10032.

Nueva York 2016



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CENTRO DEL GRABADO, VALPARAÍSO - CHILE 2017


Presentación

El Centro de Grabado de Valparaíso (Chile) es una organización formada espontáneamente en el año 1992. Surge desde la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, que en esos años era la única entidad de la región que tenía la especialidad y que sostenía la enseñanza tradicional desde la mano del artista Carlos Hermosilla. Esta escuela, además de ocuparse de la continuidad de las enseñanzas clásicas del maestro, resultaba ser un lugar de encuentro y conversación, que permitía intercambiar ideas y apreciaciones sobre los procesos vividos en torno al grabado. En este contexto, con el ímpetu y la visión del artista Víctor Maturana Leighton es que se decide colectivamente fundar una entidad articuladora de grabadores con inquietudes técnicas y experimentales, que serían realizadas por medio de obras expuestas paulatinamente en diferentes espacios.

            Tras 25 años, el Centro persiste en sus objetivos fundacionales, que son precisamente los que le otorgan un sentido estético y simbólico. Objetivos que son: difundir el grabado como técnica y las obras de las y los grabadores que hacen parte del Centro en las diferentes comunas de la región de Valparaíso, en las diferentes regiones de Chile y hacia otras latitudes internacionales, portando el desarrollo experimental en la perspectiva de sus posibilidades de producción contemporáneas.

            La apertura del Centro es una característica importante que ha permitido la elaboración de diversos lenguajes creativos en el mismo ejercicio experimental de la técnica, en coherencia con el vigor de la libertad personal. Dicha apertura también queda manifiesta en la diversidad de la trayectoria de los mismos integrantes y de sus caminos estéticos y temáticos, que además trabajan y crean desde los más diversos puntos geográficos.

            Este aspecto resulta ser relevante para la concepción de alguna estética observada en las obras producidas como Centro, ya que si bien, se dispone de un lugar común de trabajo (un amplio e iluminado espacio ubicado en la calle París # 1455, en el barrio Recreo, de la ciudad de Viña del Mar), cada grabador(a) se organiza, ya sea individual o grupalmente, para realizar su producción estética en espacios independientes. De manera, que esos lugares de divagación colectiva dados tradicionalmente en el momento del té, existen, pero discontinuadamente, vale decir, sus miembros no comparten siempre el mismo espacio, y por lo tanto, la conversación y observación sobre el trabajo del otro se ve interceptada por la auto-estimulación creativa. Cuestión que se cristaliza en los estilos depurados y experimentados en las obras.

            En general, cada cual ha habilitado un espacio taller en su casa. Cada uno de estos lugares muestra los viajes y los encuentros con diversas técnicas. La trayectoria recorrida con los materiales, por ejemplo, dan cuenta de cómo la grabadora o grabador ha ido tomando decisiones con respecto a rutas prácticas y estéticas en la observación de la obtención de los materiales, que al ser de uso personal, quedan expuestos dentro del taller como una especie de archivo arqueológico de la auto-elaboración técnica.

            El uso de objetos recónditos y biográficos, la acumulación de fragmentos de trayectorias cotidianas, las indagaciones estéticas y bibliográficas, el relacionamiento con el espacio y la materia, desde el flujo de un aparente desorden hasta la quietud de un espacio intacto y silencioso, son tránsitos y estados del creador que al darse en un espacio íntimo, se extienden no sólo al ambiente de su taller, sino que además, al tratamiento directo de la obra y su manifestación final.

            La cuestión cotidiana y autobiográfica, entonces, cobra protagonismo ya que además de habitar en la mente creativa, es el contexto específico de inspiración. No hay un “descolgarse” de lo propio rutinario, para conseguir una supuesta objetivación estética. Aunque el mismo autor pretenda hacerlo, las coordenadas circunstanciales que contienen su ejercicio creativo son las mismas que contienen su cotidianeidad. No hay un corte con lo lárico, sino que se incorpora en el devenir de un auto-ensayo. Esta misma situación cotidiana también expone al autor y a su obra a una incorporación estética constante no solo del “chirrido de lo real” (como diría Lacán), también de los acontecimientos constantes alrededor y dentro del taller, como por ejemplo, la recepción de personas externas que no necesariamente conocen la intensidad del proceso creativo. Esto, sin duda sitúa al autor en una perspectiva exterior a sí mismo. Ya no se mira solo(a) en el taller, o con sus pares, sino que tiene la posibilidad constante de ser observado desde un “afuera”, lo cual abre el estado de la auto-observación, hacia una especie de objetividad externa, que logra equilibrar el ensimismamiento de este trabajar en soledad y en un cotidiano constante e infinito.

            Estas condiciones productivas del Centro hacen que los momentos de reunión general sean bastantes concretas y que a su vez, exista un profundo respeto a la heterogeneidad estilística y temática, que como ya se había indicado, es su condición constituyente.

            De forma especial, se destaca el taller del artista visual Sergio Ayala (QEPD)[1]. Ayala tenía el taller dentro de su casa, ubicada en el barrio Recreo, al final de una profunda bajada con gran pendiente. Para llegar al interior se tuvo que descender lentamente una angosta escalera. Al conocer su obra, queda la impresión de que él mismo encarnaba uno de sus personajes de inframundo.

            No obstante estas señaléticas de descenso, al entrar al hogar se percibió la luminosidad y el paisaje fresco viñamarino que la casa ostentaba. Justo en la entrada, tenía una prensa tipo reliquia que perteneció al grabador Santos Chávez, y que por “misteriosas razones”, según indicó, llegó a sus manos. Esta prensa, cuyo rodillo es de madera, a pesar de su antigüedad, le permitió imprimir buena parte de sus trabajos que se ajustaban a ese formato dimensional.

             Sus obras están por toda la casa, y su taller comparte las actividades de grabado y pintura.  Las imágenes que trabajaba circulan entre lo monstruoso, lo etérico y la ironía como una articulación para abarcar mundo míticos de inframundo. Ayala, consciente de la densidad simbólica de los personajes que ilustraba, decidía amortiguar esa intensidad añadiendo colores intensos a sus representaciones, un acto que además de abrir las posibilidades perceptivas de las imágenes, también permitía que éstas ingresaran a las posibilidades habitables del hogar. Imposible era para el artista dejar de plasmar estas figuraciones, como si los personajes le hubieran clamado vida en medio del acto creativo.

            Este libro- catálogo se realiza bajo la necesidad de articular discursivamente esta vasta producción de grabados para la presente exposición titulada: Ir lejos es re-tornar. El criterio curatorial se realiza desde la misma premisa del Centro, que es la libertad creativa y la heterogeneidad. Así, los artistas envían las obras que “sienten” enviar, y quien escribe, realiza la organización estética y poética de los resultados generales a partir de la observación de las constantes expresivas y simbólicas de la totalidad de la obras.

            El objetivo de la descripción de cada una de ellas, no es ubicarlas en un lugar estricto de lectura, o agotar sus posibilidades perceptivas (menos interpretativas), sino que, a partir de la identificación de diversas coordenadas estéticas comunes, visibilizar las claves de lectura que permitieron generar un relato curatorial con la totalidad de las obras. O sea, ante una producción estética experimental que demanda libertad estructural, se levanta la necesidad curatorial de una observación fluida en los mismos códigos estéticos y creativos de las obras.

            Por otra parte, es importante mencionar que la lectura teórica de obras de autor se instala como la posibilidad de abrir campos de percepción que ubican la obra dentro de un horizonte más amplio, si se quiere, desde el contexto histórico productivo hasta la cuestión biográfica, subrayando los ejes formales que formulan el aspecto pedagógico y narrativo de la obra; y a su vez, como la posibilidad de abarcar el aspecto artístico de la misma, que excede a su forma y su contexto, pero que habita en medio de los mismos.

            Entonces, como diría Wittgenstein, situar obras de autor desde una lectura teórica posibilita la comprensión y la profundización tanto en lo que “dice” la obra, como de lo que “muestra”. Lo que dice la obra, ligado al argumento formal, relatable por medio de un lenguaje lineal, racional, y lo que muestra la obra (pero no dice), que apunta hacia lo inenarrable, o sea, hacia lo artístico de la misma. Lo artístico de la obra, es experimentable como un fenómeno vivo, perceptible, que no se agota en la objetualidad de la misma, por lo tanto, para entrar en ese campo, se hace necesario entrar de puntillas y en silencio mediante códigos poéticos.



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IR LEJOS ES RE-TORNAR, por Lucia Rey.


[1]“No conozco su nombre; lo denomino ‘Tao’;

y, a falta de mejor palabra, lo llamo ‘Lo Grande’.

Ser grande es proseguir, proseguir es ir lejos, ir lejos es retornar”

Tao Te King[2]

En esta exposición se exhiben 46 grabados, correspondientes a un total de 23 autores. Existen inquietudes fundamentales similares en todas las obras centradas en un viaje interior. Este viaje es tratado desde narraciones biográficas, ancestrales e identitarias, desde horizontes estéticos míticos, en la observación de la naturaleza, cosmovisiones ancestrales, relatos sobre marginalidades sociales, extremos y desbordes políticos, en la persistencia reflexiva sobre la nada, y en la elaboración simbólica directa sobre imaginarios introspectivos.

La muestra está organizada en  cinco grupos articulados a partir de las coordenadas poéticas del contenido de las obras. Estos grupos de obras contienen diferentes técnicas y estilos que a su vez otorgan un ritmo visual en la contemplación.  Esta organización visual pretende abrir la posibilidad de vivir, en el recorrido contemplativo, la experiencia de una trayectoria introspectiva, que envuelva tanto narrativas locales,  como universales, desde coordenadas simbólicas.

Se inicia este recorrido con el grupo de obras “relatos auto-biográficos”, como una forma de comenzar con lo propio, con lo micro y autobiográfico, una invitación a observar la inmediatez de lo que se es, en los detalles mnémicos de la existencia. Luego, con la sección “horizontes míticos, naturaleza y cosmovisión” se abarca el mundo mítico de nuestro entorno más cercano, nuestros pueblos y tierras. Los horizontes míticos otorgan un aspecto poético  al misterio sobre la ancestralidad y nuestro origen. Así, en este itinerario óptico, se va ampliando la mirada desde la perspectiva social en el siguiente tramo llamado “Aporías y desgarros sociales”. Esta auto-observación se realiza desde la visualización simbólica de lo propio, pero proyectado socialmente como un desgarro interior. Luego, en la sección “Homenajes”, hay un tributo a personajes artísticos que son considerados parte de la cultura del siglo XX, de manera que se presenta como una pulsión hacia la interioridad observada en la imagen de un otro colectivo, aparentemente externo. El recorrido finaliza con la sección “Auto-poeisis: el re-torno”, aquí las obras tratan aspectos introspectivos en la simbólicas más diversas. El silencio, el mundo microscópico como una forma de fina auto-observación. La manifestación abstracta del sí mismo. El silencio del viento interno. Retratos de desbordes existenciales. Topografías de mundo y recorridos. La deconstrucción y la auto-generación. Y el salto dimensional hacia lo que se va siendo en el camino del existir.

Comenzando el viaje…

Relatos auto- biográficos 

Las obras de Inés Acevedo ¡Acomer! Y “De Viaje” entraman narrativas mnémicas, como hilos de leche materna, construyendo una poesía genealógica desde la fragilidad del recuerdo hacia la intangibilidad de lo imaginativo. La contemplación en un caminar cotidiano y silencioso dentro de paisajes familiares, son la trayectoria de este trabajo de re-visualizar y estetizar imágenes fotográficas que van apareciendo y desapareciendo entre los archivos nostálgicos de una prolífica familia.

Myrian Febres con sus obras Peaceful y Violeta elabora cromáticamente imágenes de infancia, relacionadas con la sutileza de la existencia, representadas en la imagen de la libélula. En cada obra existe justo en el centro un ojo, como el Gran Auto-contemplador, entre  dibujos de ondas marinas y gaviotas, trazadas entre colores azules y violetas, que van esbozando especies de rutas etéricas entre mundos mágicos de una infancia infinita.  

Las obras de Natacha Campos Órdenes realizadas en collagraph muestran el registro blando de delantales de mujeres. Por una parte, La obra Esther realizada con la imagen fotográfica de la dueña del delantal y las texturas plasmadas en el papel gofrado. Dentro de la fotografía hay un corazón recortado en el pecho de la mujer, levemente sellado con color dorado, conectando con la imagen del “corazón crístico”, de entrega absoluta. En Delantal Azul, lo narrativo y lumínico de los nudos y pliegues son sumergidos en la profundidad del color azul del agua, que limpiando las penas, graba la trascendencia de una vida que va ofrendando su futuro, materializado en el uso constante de un delantal, que cubre, la delantera de la vida.

Horizontes míticos, naturaleza, cosmovisión

Daniel Lagos realizó Tue- tue, obra a matriz en calcografía (Aguafuerte- aguatinta), monocromático, enfocados en la apreciación estético mítica de la fauna voladora del Sur de Chile. El Tue tue sobre vuela los pehuenes y Chinita, son los nombres de las obras; en el primero, el ave se muestra en pleno vuelo con su cabeza de perfil y en el extremo inferior izquierdo se visibilizan de frente algunos pehuenes. El pehuén (o araucaria), es un árbol sagrado en la cosmovisión mapuche, y es considerado Monumento Natural en Chile. El tratamiento de la perspectiva aquí elaborada sugiere una estética de arte arcaico, en donde la imagen considera multiplicidad de enfoques en un mismo plano. El color negro que predomina en la imagen graba en la hoja el ambiente oscuro en el que aparece esta misteriosa ave. La Chinita, es un grabado calcográfico a tres matrices, cada cual con un color. El autor elabora el “diseño” natural cromático de la chinita, sin dibujar el insecto, dejando esta imagen coloreada como un paisaje abierto de volcanes y fuego.

María Luz Dávila Leyton trabaja imágenes tradicionales del mundo araucano, perteneciente a la serie Indígenas en Chile, realizado como un homenaje al pueblo mapuche. En Amasando se muestran brazos y manos fuertes que entran en una abundante masa, con mangas arremangadas y un fondo poroso en la pared. Este gesto se remonta a las raíces alfareras de dicha cultura. El “trarilonco” (cintillo en la cabeza) toma un protagonismo en la imagen, pues actúa como un ata pensamientos.  Por otra parte, Sabor Araucano trabajado en escala de grises y color rojo muestra la imagen masculina situando en el sector de la boca ajís y en su cabeza un trozo de tela que cita al piñón, elementos que aluden a un sabor característico de la alimentación mapuche, tomando lo pintoresco de una cultura subordinada, cuya cosmovisión sigue siendo un misterio. En ambas obras lo que persiste son los ojos de tristeza, e impotencia, que esboza un pasado cada día silenciado.

Ilse Wilckens Engelsbreit con sus obras Camahueto y Basilisco ambas en xilografía, encuentran su fuente poética en la mitología  chilota. Trabaja con la representación mítica del cotidiano interior como exterior del chilote. En el mundo exterior habita el camahueto, que tiene cuerpo de vacuno con un cuerno en la mitad de la frente, y es habitante de pantanos en medio de temporales. Su presencia es relacionada con el flujo de las aguas. En el interior cotidiano se desenvuelve el basilisco, ser mitológico mitad gallo, mitad serpiente, que habita en las maderas húmedas de las casas chilotas y aparece en las noches para lamer la saliva de los durmientes, generando enfermedades de toz severa.

Ruby Pérez Lizana expone dos obras que forman parte de una serie gráfica titulada Ficciones del Aconcagua”, realizadas con técnicas experimentales del grabado, tales como linografía, algrafía, chine collé, traspaso y dibujo. El primero se llama Identidad y Trascendencia en donde la artista trabaja con “la dualidad” en la figura humana, en claves de cosmovisiones que se repiten en distintas latitudes, por ejemplo: como es arriba es abajo. Esto visto en el flujo matemático del agua en la franja vertical azul que atraviesa la hoja, y que abarca el cuerpo desnudo representado en ambos lados en la parte superior e inferior del cuadro, que en contraposición, va siendo alcanzado por el dibujo fisiológico de una mano que forma parte de ese flujo azul. El segundo lleva el nombre Fuera del Tiempo, donde trabaja con el color complementario del azul y a su vez con la figura humana de un cuerpo masculino. En el fondo naranjo se pueden ver dibujos reticulares circulares que parecen aludir a diferentes códigos de representación en relación a conocimientos de la naturaleza y de los ciclos de la existencia. La desnudez de los cuerpos y la complementación cromática afirma la dualidad de esta dupla, sugiriendo a su vez la sabiduría de la contemplación en lo cíclico de la vida reafirmada en la repetición de la figura del “trinaclio”.

Aporías y desgarros sociales

La obra de Cynthia Araya Dávalos muestra desde la xilografía y la litografía desplazamientos sociales en la construcción de imágenes fronterizas, que aluden al inevitable y constante estado migratorio de la humanidad.  La rueda, la infancia, la maternidad, la alimentación, la naturaleza, la luz y la oscuridad, se entraman en la elaboración de un archivo estético que registra una pulsión un estado de marginalidad, en donde cada elemento resulta pertenecer a la misma narrativa, al mismo tejido simbólico, al mismo flujo creador.

Christián Carrillo Cáceres toma como eje estético la época de la Unidad Popular en Chile, observadas en el cruce con la biografía del autor. La obra titulada Lautaro representa la moneda de cinco escudos inaugurada en dicha época, teniendo como estandarte la imagen guía de Lautaro, quien fue un gran guerrero mapuche durante la primera fase de la invasión española en el territorio hoy llamado Chile. 1973- 1974 funciona como un retrato simbólico en torno al año del Golpe Militar en este país, el artista usa la imagen de la moneda 100 escudos que a su vez lleva impreso el año de su nacimiento. Una estética agria de un luto social y político que persiste.

Axel Ekdahl presenta obras inspiradas en el problema de la privatización absoluta del agua en Chile. Una cuestión tan evidente como absurda e invisibilizada. Es así como en  El Patrón del agua se muestran tres personajes que están en una especie de levitación sobre el mar, en donde el personaje vestido de cuello y corbata, no establece ningún contacto directo con el agua. Con sus manos en los bolsillos, mantiene un gesto indiferente. Atrás, en el horizonte, hay dos imágenes idénticas, que recuerdan la iconografía de La templanza del Tarot, apareciendo acá dividida en dos, en donde, cada imagen posee un jarro que se vacía hacia el mar. En A nuestra señora no le gusta mojarse, se grafica la figura de una mujer con la notable ausencia de su brazo derecho y su busto medio descubierto. El brazo izquierdo posee una cartera, resaltando en este personaje la ausencia de los pies. Quién le protege de la lluvia tiene la cabeza de venado y pies de ave. Hay un horizonte de casas porteñas que atraviesan dichas figuras y un fondo de infinita lluvia.  En ambas obras, los personajes protagonistas mantienen los ojos cerrados.

Josué Donoso  presenta la obra Nación y decadencia, realizada en offset, aguatinta y aguafuerte, impresa en tres matrices de composición modular. Aborda la temática del poder político, los estamentos sociales, y sus afecciones en la percepción de la individualidad y el tiempo. Articula poéticamente fragmentos mnémicos en torno a retratos iconográficos difusos de la historia. Alegoría de catástrofes existenciales y sociales. Las llamas de un espejismo hundido en el agua profunda del algún inconsciente colectivo.

Virginia Maluk Manzano presenta estas obras que funcionan estéticamente  como díptico: En el nombre del padre I y II, la cita al clásico rezo cristiano que parte de la misma manera, con la diferencia que el sustantivo aquí va con minúscula. “El padre”, como un lugar de origen, aparece entre desastres, sombras y destellos. Como micro-relato la autora trabaja imágenes y narrativas del pueblo Sirio, que sin embargo pueden ser ampliadas no solo desde la analogía material de la catástrofe, sino que también desde lo inmaterial de la conciencia cuando se hurgan caminos y respuestas. El personaje tratado en ambos cuadros parece ser el mismo en diferentes circunstancias etarias, y el mismo es quien parece vivificar no solo el recuerdo y la devoción, sino también su sentido.

Antonella Rojas Auda presenta dos serigrafías llamadas La Ilusión de lo Real y S/T (Territorialidad del Puerto).  En ellas Rojas trabaja desde la abstracción figuraciones estéticas de un pasado precolombino, trabajando a partir de diferentes matrices, que van siendo plasmadas dentro del sentido de la repetición y el fragmento. Una matriz dominante en un grabado aparece en el otro como un guiño, y viceversa. La segunda obra, sin llevar título, habla de la territorialidad, tal vez como una forma de hablar de territorio, pero de un territorio, sin título, sin dueño. Y en este contexto nominativo es como se incorpora visualmente la escritura en negro que dice Trecientos, citando así la época de la “Conquista” española. El centro pregnante en ambas es el cuadrado negro que evoca el lugar habitado, el lugar del fuego, el lugar de retorno. Así, estas obras trabajan desde la ilusión de un pasado que hasta hoy se comunica.

Homenajes

Hernán Gallardo Alzamora trabaja en litografía las canciones que forman parte del disco de The Beatles” Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. En las obras aquí presentadas, realiza una mediación estética entre la letra y la música de “A day in the life” y “good Morning, good morning”, figurando las escenas retratadas en los textos musicalizados como recortes estrellados en un periódico matutino. 

Carmen Olivares Arias,  las obras que presenta son realizadas como un homenaje a Nicanor Parra como poeta y matemático. La primera, una obra sin título y la segunda homónima a un poema de Nicanor Parra “La Poesía Terminó Conmigo”. Ambas obras ilustran una máquina de escribir desde la cual van apareciendo diversas letras y números, en una triangularmente y con un fondo rojo y en la segunda rectangularmente, con un fondo blanco que hasta la mitad está dibujado con fórmulas matemáticas, y en el medio desde el lado inferior hasta arriba hay un rectángulo rojo transparente donde está el texto de Parra: “La poesía morirá si no se le ofende”. Lo que continua diciendo el poema es: “hay que poseerla y humillarla en público”… de hecho, la franja roja aparece como ese acto de posesión sangriento.

Rosa Moreno Turner, presenta sus obras Isla Negra y Viaje, amabas realizadas en aguafuerte, centrándose en la trayectoria poética del viaje de Pablo Neruda. En la primera representa la silueta del poeta que estaría demarcado por un leve halo violeta hacia afuera, con manos en los bolsillos va recibiendo los trazos blancos desde la parte superior hacia el centro horizontal de la obra, en donde se despliegan trazos diagonales que sugieren un paisaje natural. En la segunda obra, realiza una retícula cromática rectangular en donde sobresalen colores como el celeste, el azul y el amarillo en un fondo gris. De alguna forma se grafica la retención retiniana del algún paisaje viajado en la instancias de su poética.

Auto-poeisis:  el re-torno

Gabriela Robin Constancio presenta las obras Arquitectura del pensamiento,  y Ensoñaciones profundas. Su trabajo emerge desde coordenadas abstractas del pensamiento, y se va desarrollando como pulsión creativa, toma forma en la elaboración cromática y el uso de las sombras.  Ambas obras funcionan dualmente, en la primera trabaja con líneas curvas y rectas de color blanco, también con figuras geométricas de color negro.  La geometrización y la abstracción aparecen como un paisaje de lo desconocido.

Las xilografías de Ana Francisca Agurto Vigneaux son elaboradas desde figuraciones metafóricas que apuntan hacia un adentro biológico, suspendido en un líquido amniótico que también puede ser el vacío de una sustancia activa que suspende y a la vez movimenta las partículas que constituyen la existencia. Agurto crea en la estética de una (auto)observación microscópica observando la contemporaneidad y la catástrofe molecularmente, como una posibilidad de fuga, de ir lejos que es regresar, regresar a la fuente original de protección y autorrealización.

Sandra Barguetto Alarcón a partir de la xilografía a taco perdido realiza un viaje en torno a la mística del aire y del viento. La levedad vinculada a estas imágenes de la naturaleza dan un guiño poético a la supuesta linealidad del tiempo y los ciclos del planeta. La sutileza de estos acontecimientos silenciosos en la materia darían cuenta de la fuerza de todo lo invisible que existente en la tierra como manifestación del cosmos. La técnica escogida por la autora a su vez entra en esta sutileza de la pérdida y de la estampa única, generando en la obra una estética taoísta.

La obra de Mariana Vicencio Sánchez llamada Pánico escénico realizada en agua fuerte, es una matriz original expuesta en cajas modulares, que para el largo traslado se imprimió en papel.  Esta obra hace una alusión al grito existencial (recordar al artista Munch), en donde la fragmentación emotiva toma un protagonismo, como si hubiera una especie de encarcelamiento de la imagen ante el propio reflejo. Un grito desde la materia hacia la desintegración del todo. Silencio y vaciamiento en el desborde de la experiencia física.

Gladys Figueroa Marchant, desde una observación al material concreto abre en su representación silencios y metáforas como si progresivamente estas imágenes se fueran abriendo como espejos. Circuitos topográficos, que van desde lo micro a lo macro de un recorrido exterior e interior. En Urbano I, realiza en xilografía la figuración de un poste eléctrico típico de Valparaíso, en donde, desde esas alturas y en la confusión de tanto cable, resulta testigo de diferentes etapas de construcción, injertos y destrucciones.  Fragmento Urbano, presenta mediante la misma técnica la visión aérea de una costa porteña, compartimentada urbanamente, y en constante flujo.

Víctor Maturana Leighton, presenta “Un mundo peculiar” y “Desde mi camino de aprendiz derribé parte del castillo” ambos trabajos realizados en aguafuerte, el artista trabaja con la marca de un colgador de ropa que sostiene una estructura o molde. Ambos con el similar tratamiento cromático,  con grabados de retazos de encaje color rojo granate, mismo ocupado en la parte superior de la pierna derecha y de la parte inferior de la pierna izquierda, desde el final de la rodilla, abarcando lo que se ve del pie. Estos retazos parecen ser vendas curativas, como si en algún trayecto las ropas colgadas hubieran manchado el molde que las sostenía. La primera obra exhibe el dibujo de dos círculos concéntricos, que podrían ser un iris con una pupila central observando un punto en el borde del lado del brazo derecho a la altura de la boca del estómago. En la segunda obra se ubica un cubo en la parte inferior, citando la teoría de la Gestalt por la ilusión óptica generada en torno las dimensiones abarcadas. Este cubo tapa el pie que venía rojo y el otro pasa por encima en transparencia. En ambas obras las piezas que les distinguen, tanto el cubo como las circunferencias están estampadas por el mismo encaje pero en color negro.  Así estas obras parecen ser la metáfora de cirugías genealógicas meta-corporales, entre herencia femeninas y masculinas.

Sergio Ayala, presenta esta obra sin título, que opera desde una iconografía mítica de un cuerpo ancestral. El cuerpo desnudo y musculoso cita lo vernáculo de un tipo de vida integrado a la tierra. Es un personaje que está en movimiento: su pierna y su brazo derecho van hacia adelante y su brazo y pierna izquierda hacia atrás. Como personajes pensamientos, desde su cabeza se asoman fragmentos de otras cabezas. Desde el lado derecho aparece la cabeza de un ave, que indica algún vuelo hacia arriba;  en el lado izquierdo el rostro de una figura ambigua y oscura que indica hacia abajo, el rostro parece estar observando esta dirección. Arriba, de la cabeza se aprecia una mixtura que puede envolver algún aspecto alado de estos seres. El cuerpo en general tiene una leve inclinación hacia el lado izquierdo. La imagen retrata hasta la mitad superior bajo las rodillas, figurando gruesas pantorillas, pero excluyendo del recuadro los pies. Esto, dentro de un fondo rectangular amarillo enmarcado en un con color negro. Arriba, en “el cielo” hay un achurado que se acerca a la imagen de trigo al viento. El conjunto de estos elementos esbozan un ser enigmático que estando en la tierra, va dejando sus anclas terrenas en el olvido, su movimiento corporal está trazado como un paso hacia otro lugar mítico y misterioso.

 

[1] Sobre el concepto de re-torno se puede indicar, desde esta perspectiva estética,  que, re-tornar alude a la poética de la (auto)observación, que mirando hacia afuera, se da vuelta el ojo hacia dentro, simultáneamente. Gastón Soublette comentando este fragmento del libro Tao Te King dice que “hay en estos versos la intención de describir el movimiento cíclico macrocósmico, aunque llegando al tema del retorno, lo macrocósmico se pone en paralelo con lo microcósmico, vale decir, con el proceso del retorno de la conciencia a su esencia espiritual, lo que en yoga taoísta se denomina ‘movimiento retrógrado’”.  Ver el libro Tao Te King. Versión castellana y comentarios de Gastón Soublette. Editorial Cuatro Vientos. Santiago de Chile 1990. Pág. 93.

[2] Tao Te King. Versíon de Jhon C.H. Wu. Ediciones Arca de Sabiduría. Madrid, 2016. Pág. 25.



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ALBERT FERRER ORTS


CENTRO DEL GRABADO, Galería Municipal de Arte “Valparaíso”, Condell, 1550, Valparaíso, 9-30 de enero de 2015
Hace unas semanas, no demasiado tiempo, mi colega en la Facultad de Arte de la UPLA, el profesor Víctor Maturana Leighton, me hablaba -mientras desarrollaba con sus alumnos unos ejercicios prácticos en el Taller de Grabado de la institución académica a la que ambos pertenecemos- de las bondades de la especialidad plástica y también del fuerte arraigo que esta vertiente fundamental del arte tiene en la ciudad porteña y sus aledaños. Recuerdo que, entre grabado y grabado, con su particular entonación y buen humor, me iba diciendo la multitud de vertientes creativas que posibilita esta antigua disciplina y de muchos de quienes, asociadamente pero a su aire, comparten apasionadamente esta profesión.



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Actividades o Eventos


Grabadores del Centro actividades

2015-12-21
21:00 hrs.
Galeria Municipal de Valpara?so
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GRABADORES 2015

2015-12-21
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